艺术家推广方案

1. 宣传策划书书写格式

策划书的名称：将策划主题体现出来，让使用者一目了然。
策划者姓名：策划小组名称及呈圆形名列示出来。
策划书制作时间：年、月、日。
策划书的编号。
二、 策划书的正文
摘要：策划目的以及对策划内容的简要说明。
目录。
前言：策划经过的说明。
策划内容的详细说明。
策划实施步骤以及各项具体分工：时间、人员、费用、操作等。
策划的期望效果与预测效果。
策划中的关键环节，策划实施中应注意的事项。
三、 策划书的附录
供参考的文献与案例
如有第二、第三备选方案，列出其概要
其他与策划内容相关的事宜

2. 主要工作是征集艺术家的作品 和艺术家签约 现在领导让做一个征集计划方案

要招标吗？

3. 我要写一篇文章，介绍一个艺术家，请大家提供一些范本，或者片段，词语也可。

比如说靳尚谊就是这样 他是央美的前任院长
去过苏联
是中国艺术届的大人物了额 网上很好找的

还有徐冰 也狠牛 都是自己先学传统 再去国外了 取得了很大的成就

还有柯布西耶 闻名的建筑大师
柯布西耶出生于瑞士西北靠近法国边界的小镇，父母从事钟表制造，少内时曾在故乡的钟表技术学校学习，对美术感兴趣，1907年先后到布达佩斯和巴黎学习建筑，在巴黎到以运用钢筋混凝土著名的建筑师奥古斯特·贝瑞处学习，后来又到德国贝伦斯事务所工作，彼得·贝伦斯事务所以尝试用新的建筑处理手法设计新颖的工业建筑而闻名，在那里他遇到了同时在那里工作的格罗皮乌斯和密斯·凡·德·罗，他们互相之间都有影响，一起开创了现代建筑的思潮。他又到希腊和土耳其周游，参观探访古代建筑和民间建筑。
柯布西耶于1917年定居巴黎，同时从事绘画和雕刻，与新派立体主义的画家和诗人合编杂志《新精神》，按自己外祖父的姓取笔名为勒·柯布西耶，他在第一期就写到：“一个新的时代开始了，它植根于一种新的精神，有明确目标的一种建设性和综合性的新精神。”后来他把其中发表的一些关于建筑的文章整理汇集出版单行本书《走向新建筑》，激烈否定十九世纪以来的因循守旧的建筑观点、复古主义的建筑风格，歌颂现代工业的成就，提出“我们的时代正在每天决定自己的样式”，称颂工程师的工作方法，“工程师受经济法则推动，受数学公式所指导，使我们与自然法则一致，达到了和谐。”提出“住房是居住的机器”，鼓吹以工业的方法大规模地建造房屋“建筑的首要任务是促进降低造价，减少房屋的组成构件。”对建筑设计强调“原始的形体是美的形体”，赞美简单的几何形体。
1926年柯布西耶就自己的住宅设计提出著名的“新建筑五点”，它们是：
* 底层架空；
* 屋顶花园；
* 自由平面；
* 横向的长窗；
* 自由立面。
按照“新建筑五点”的要求设计的住宅都是由于采用框架结构，墙体不再承重以后产生的建筑特点。勒·柯布西耶充分发挥这些特点，在二十年代设计了一些同传统的建筑完全异趣的住宅建筑。萨伏伊别墅是一个著名的代表作。柯布西耶的建筑设计充分发挥了框架结构的特点，由于墙体不再承重，可以设计大的横向长窗，他的有些设计当时不被人们接受，许多设计被否决，但这些结构和设计形式在以后被其他建筑师推广应用，如逐层退后的公寓，悬索结构的展览馆等，他在建筑设计的许多方面都是一位先行者，对现代建筑设计产生了非常广泛的影响。
勒·柯布西耶还对城市规划提出许多设想，他一反当时反对大城市的思潮，主张全新的城市规划，认为在现代技术条件下，完全可以既保持人口的高密度，又形成安静卫生的城市环境，首先提出高层建筑和立体交叉的设想，是极有远见卓识的。他在20和30年代始终站在建筑发展潮流的前列，对建筑设计和城市规划的现代化起了推动作用。
第二次世界大战期间，他避居乡间，后来又到印度和非洲工作，战后他的建筑设计风格明显起了变化，从注重功能转向注重形式；从重视现代工业技术转向重视民间建筑经验；从追求平整光洁转向追求粗糙苍老的有时是原始的趣味。因此他在战后的新建筑流派中仍然处于领先地位。他的设计理念直到去世，都对世界各国的建筑师有很大的启发作用。他的设计经常引起很大的争议，他设计的朗香圣母院教堂的怪异外观，令守旧派异常愤怒，但被革新派奉为经典。他为日内瓦国际联盟总部设计的方案引起评审团长时间的争论，最后由政治家裁决否定。他的马赛公寓，被法国风景保护协会提出控告，到后来，又成为当地的名胜；他为阿尔及尔市做的规划和建筑设计被市政当局否决，但后来其中的逐层后退设计方法却被许多非洲和中东的沿海国家采纳。

4. 求助线上艺术推广方案提纲说明

情感是艺术的灵魂，它能领你走向艺术的巅峰。没有情感的艺术，不为艺术！在艺术术创作中，形象思维的作用必不可少。其中情感性是形象思维的一个重要特征。

5. 牛逼的微信营销方案怎么写出来的

微信营销，是现在最流行的一种网络营销方式，也是最有效果的营销方式，利用微信朋友圈转发内容的方便性会把一个产品很快的传播出去，一条好的文案，传播速度会以“病毒”的方式扩散，咱们先聊聊文案，还记得从前的文案是什么样子的么？让我们先来看一段来自网络的描述：

纸媒时代的文案

在文案的范围里，完整的一篇宣传性文章就是我们常说的软文。和广告语、广告图配字、广告脚本等零散的形式不同，企宣是一篇完整的文章。当然，这篇文章必定要包含了需要宣传的内容，比如产品哪里好、服务为什么棒、公司是做什么业务的??

在纸媒时代，确实随处可见这种文字广告，由于版面有限，太多品牌都是寸字寸金，希望品牌、产品在文章中尽可能多次出现，恨不得用有限的文字穷尽自家的种种好处，无论从形式上还是从效果上，都无限接近硬广才好。

微信时代的文案

相信，在社交媒体时代，还是有许多媒体、许多品牌在延续着之前的文案形式。至于看不看，那就是读者的事情了，答案十之八九是没有人看。

道理很简单，如果有更有趣的东西可看，如果有更轻松的东西可看，谁还想看那“结结实实的广告”呢？

于是，微信文案变得越来越不像“广告”，在对公关公司、自媒体人的采访中，他们一致的反馈是：广告主现在总算想明白了，他们要的就是不像文案的文案，既要“随风潜入夜”，又要“润物掷地有声”，先要让读者点开、读下去，最后还要体现出效果。

好吧，问题来了：写一篇好文从来都不容易，而写一篇隐藏野心还讨人喜欢的好文，只能是不容易的平方。

尽管从属性上可以将文章划分为新闻和文案，但从用户的阅读体验上，就是这么简单粗暴，只有“好文”和“坏文”。所以，在微信时代，文案只能先是好文！好文！

微信文案哪里发？

自家订阅号

经过几年的市场培育，许多企业已开通了微信订阅号，不用预算、不用买时段、买版面，自家订阅号就是一个免费的发布平台，如何利用好就要看各家的本事了。

值得提出的是，既然是一块自留地，出发点和视野都会有一种天生的局限性，总是想把自家的品牌、产品放在首位，这就犯了微信文案的大忌。不妨点开一个企业微信订阅号，仔细观察一下每天头条推送的标题，如果品牌名称经常出现在标题中，只能说这是一个自娱自乐的订阅号。

要想做得好，也不是没有路可走，只要转换思维，变成从受众出发，兴许还有活路一条。“手机QQ浏览器”一直以90后为主要受众，他们将微信订阅号拟人化为“器哥”，器哥是谁？就是90后中的一员，点开这个订阅号，看不到任何“手机QQ浏览器”字样，只有年轻人时下最关心的各种热门话题：高考作文预测、高考志愿填报、李易峰、何以笙箫默??

热门订阅号：在微博时期，有微博大号，而现在也有所谓的“微信大号”，如最近迅速走红的几个订阅号：严肃八卦、石榴婆报告、黎贝卡的异想世界、顾爷、关爱八卦成长协会。虽然没有具体统计数据，但通过每篇文章几乎阅读量都是100000+，可以推断每个订阅号背后粉丝的数量级都是几十万级别的。

自媒体与传统媒体相比，最大区别在于自媒体背后是一个活生生的人，而非一个机构，风格鲜明，有强烈的个人色彩，让人印象深刻。也就是罗振宇说的：“个人魅力体”。所以，每个账号就要有每一个账号的鲜明调性，品牌在选择订阅号时，也要因此考虑自己的品牌与之是否契合？

如何选择订阅号？

1、最重要也最被经常问起的，当然是粉丝数，粉丝数确实是所有数据的基础，阅读数，点赞数都和粉丝数正比例相关，前提是要先判断粉丝数是否有作假，阅读数现在可以购买了，点赞也可以，还是要擦亮眼睛，做好判断真伪工作。

2、转发数是一个很过硬的数据，“石榴婆报告”转发比例最高的，是“婆婆的话”，也就是一段励志内容。但这些励志的话并不是无病呻吟，都是婆婆的肺腑之言。很多时候你转发的并不是文章，而是你的态度，在朋友圈告诉大家这篇文章就是我的态度，我就是这样一个人，社交媒体的作用在于个人形象塑造和管理。

3、选择订阅号，也是选择受众，红星美凯龙会选择文艺青年聚集的“一条”，奢侈品牌会选择时尚女性聚集的“石榴婆报告”，这些都是基于最准确触碰潜在消费者的考量。而有人会问，那凯迪拉克、宝马、捷豹、路虎为什么不约而同选择石榴婆，能想到的答案是：还没有一个以“成功男性”为受众的微信大号诞生。

4、娱乐、时尚类订阅号更受欢迎，尼尔波兹曼在《娱乐至死》中指出：现实社会的一切公众话语日益以娱乐的方式出现，并成为一种文化精神，我们的政治、宗教、新闻、教育和商业都心甘情愿地成为娱乐的附庸。理解了这句话，就不难理解为什么那么多品牌弃财经类、科技类订阅号于不顾，而转投娱乐订阅号。

读者更容易点开哪种文案？

说一千道一万，在微信的世界里，订阅号里每天那么多的“红色未读”，朋友圈里那么多的转发，其实，谁的文章被点开了，谁就赢了一大半。

所以，怎样做你的微信文案才会被点开呢？

热点性

借势营销火到什么程度，看看“三里屯优衣库”事件就知道了，起端于深夜，第二天一早各种借势营销已新鲜出炉，而且借势营销的道德底线问题引起行业内大讨论。

先抛去营销底线问题不谈，热点已经成为社交媒体时代营销一个无可回避的手段，借对热点、借准热点，把握好尺寸，总不会错的。

有趣性

没有金刚钻不揽瓷器活，为什么“顾爷”能接下阿里巴巴的单子？因为她能把不那么有趣的东西讲得有趣，将艺术史知识趣味化，以她的成名系列“小顾聊绘画”为例，以一个艺术爱好者的身份用一种前所未有的形式向读者讲述顶级艺术家的故事：搞基的男神卡拉瓦乔、艺术“新东方”创办人伦勃朗、站在“风口浪尖”的神童透纳??这种形式阅读起来更轻松愉快，读者多了，自然就有了后边“艺术中夹带私货”的故事。

不得不承认，有趣是王道。严肃八卦、石榴婆报告、黎贝卡的异想世界、顾爷、关爱八卦成长协会，这一长串热门订阅号数下去，几乎都是娱乐、时尚门类。

实用性

借不到热点，想不出有趣，那至少也要做到实用。房地产企业讲讲装修小技巧，化妆品品牌谈谈护肤手法，培训机构教教学习方法，无论何时，人们都不会拒绝“有用”。

订阅号“黎贝卡的异想世界”虽然也是时尚账号，但与“石榴婆报告”不同之处在于，她更偏实用。当下时尚订阅号泛滥，为什么黎贝卡可以在短时间内崭露？其作者方夷敏也思考过这个问题，结论是：可能有些时尚公众号只是单纯发布一些图片和潮流资讯，离大家比较远，但我会分享一些实用的东西，比如选购的经验，就像闺蜜间聊天一样。

一篇被疯狂转发的文案是如何炼成的？

明知道是文案，还主动去转发；明明没有拿过品牌的好处，还了自己的朋友圈，这是怎样的一种魔性？好的文案，各有各的好，但目前来看，无外乎两种模式，而且是截然相反的两种模式。

1.开启“就不告诉你”模式

开头提到的红星美凯龙案例就是典型的“就不告诉你”模式，以内容取胜，你喜欢文艺，那就彻底文艺给你看。“文案”之所以是“文案”，其精妙之处就在于不会大篇幅明显提到产品信息。好像蚊子不会立刻吸血，而是会慢慢麻醉让动物感到舒服后才采取行动。

石榴婆的文案成名作是一篇叫做《她的人生全是Easy模式》的文章，“石榴婆”从“方脸影后Reese Witherspoon”7岁拍广告开始讲起，事业上Reese 15岁即获最佳艺人奖提名，进入斯坦福大学读英国文学，后来又成为奥斯卡和金球奖双料影后。生活上，Reese与高富帅经纪人一起，有三个子女，一家人看起来其乐融融。穿衣打扮上，Reese也颇有心得，看起来时尚干练。文章前五分之四的篇幅，石榴婆都在用一个又一个的铁证证明Reese是好莱坞的人生赢家。然而接下来峰回路转，石榴婆这样写到：

最后，来看Reese开的车，凯迪拉克ATS，2.0涡轮增压直喷发动机，百公里加速6.2秒，后轮驱动，50:50前后重量配比，Brembo高性能刹车，每秒响应1000次的MRC主动电磁感应悬挂??斯坦福学霸+奥斯卡影后在选车方面，也是自有主张。

因此，“就不告诉你”模式文案在架构上，品牌硬广信息的篇幅要短，且往后放。

2.偶尔也开启“这就是文案”模式

在成熟的微信文案一再试水、一再成功之后，我们发现原来读者对于文案的容忍度和接受度可以无限扩大。前提只要是好文，读者也会心甘如饴。于是，部分订阅号作者开启了大胆模式，没错，就是开门见山，直接告诉读者：这篇就是软文。看，还是看呢？

目前来看，成熟的微信大号都会将品牌文案专门分出栏目――推广，每天或是定期作为非头条发布。其实，这就等于昭然若揭了。以“黎贝卡的异想世界”的一篇文章为例，题目就是《无需堆大牌，平价也能毫不费力穿出时髦感（送Topshaop折扣码）》，不但放在了推广栏目，而且标题中已明确指出所推广品牌。开篇第一句：今天要推广的这个品牌，是黎贝卡的心头好，它是我衣柜里最多的高街品牌，没有之一。通篇文章写到各路明星对于该品牌的驾驭之道，以及招牌产品的搭配要点等等，延续了黎贝卡微信一贯的“实用”特色，读起来与一般的时尚博文并无二致，妹子们读起来同样受教，这就足够了。文章结尾还有品牌优惠码相送，不少妹子看了推广后是直接“剁手”的。

可见，关键还是文章的编辑能力，这也是考验作者真功夫所在，好的文案绝不是内容加广告的粘贴，而是有机植入，你看的是时尚指南、是八卦新闻，总之，不是广告。

要说文案技巧，也不是没有

1.提高受众卷入度

在塑造品牌时，需同时利用边缘线索和说理来提高受众卷入度。在理性和感性兼用的说服过程中，受众的卷入度会越来越高。如果把受众阅读文案过程中的卷入度画成曲线，那么品牌硬广信息应在受众卷入度的峰顶时引出。受众在高卷入度节点上接收品牌诉求，其接受度是最高的，广告效果也最好最持久。

作为营销专业媒体，本刊订阅号“成功营销”也是没有落下这一课，深V姐操刀微信文案也驾轻就熟。怎样捕获年轻消费者，是时下许多品牌的共同诉求，一篇《城会玩！教你搞定年轻人这种鬼！》新鲜出炉，你想要的干货这里全都有：要了解年轻人？大数据+真人秀；要营销年轻人？尽量别按常理出牌；如何搞定年轻人？让年轻人去搞定年轻人啊！

对于营销人，这是一次学习年轻人营销的过程，也是一个被深度卷入的过程，在你看得正在兴头时，“7月22日年轻盟峰会”跳出，既然学得还意犹未尽，那么，心动不如行动，来参加峰会吧。

2.用受众感兴趣的方式

且不论是八卦大号谈的娱乐、时尚，还是顾爷聊的西方艺术，只不过是他们在说服过程中信手拈来的素材，用受众容易接受的例子来说理。就好像童话故事看似在讲有趣的故事，有可爱的卡通人物，但实际上是在用小朋友容易接受的方式来教育、说道理。顾爷看似在认真为受众解读西方绘画艺术历史典故，实则为CHAUMET重述品牌故事。因为是自己感兴趣的时尚和艺术信息，受众尽管知道是推广仍旧会点击浏览。

订阅号“深八深夜八卦”曾发过这样一篇文章《如何不动声色地在前任婚礼上艳压新娘，转给需要的张馨予们》，光是一个题目，就吊起太多女孩子的好奇心，想想那些人渣前任，艳压前任新娘？听起来就足够有趣、刺激。正文是一个引人入胜、大快人心的翻盘故事，就好像每一个狗血的网络故事一样，重点在于艳压新娘的利器居然是“佳洁士牙贴”，胜就胜在了一口闪闪发光的白牙。这样的“结局”，让大家万万没想到。

3.树立信息源的权威

信息源的可信度影响信息传播的效果。受众对某个微信账号的兴趣和信任是一个漫长的培育过程，特别是在受众处于高卷入度的时候。冰冻三尺非一日之寒，“石榴婆”和“顾爷”也是经过两三年的自媒体运营积淀，慢慢在时尚和艺术类订阅号里打响名号，积累人气，被受众认可后才开始试探微信文案。

但这种权威也是硬币的正反面，因为权威，读者才相信你，才接受你的文案。但反过来呢，读者真的会无止境地接受下去吗？一个成熟的订阅号的商业临界点在哪里？承载量又有多少？可能还是一个未知变量。微博大号“留几手”就是前车之鉴，以照片评分蹿红微博，但一度又因为文案太多而迅速掉粉。

4.慎用“无下限”方式

要有趣，又要借势热点，难免有些品牌就走了极端，为了夺人眼球，反而哗众取宠。为什么在微博、微信上，品牌文案会大展拳脚，就是因为不同于以往的出版发行审查、版面限制，社交媒体提供了更为宽松的发布平台，于是各种语言幽默，形式活泼的文案诞生了。但也不乏一些品牌就在这条路上一去不回头，无节操、无下限的文案频频出现，这样确实可以提高点击率，甚至博人一笑，品牌成功得到更有效传播。但你的品牌是否值得使用这种方式，不妨三思而后行。

6. 我需要一份关于够物网站推广方面的策划书,哪为高手给我解解围吧

网络已经成了网络推广的代名词了
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7. 跪求一篇关于中国电影推广策略的论文 最好5000字以上 急需！！！！！！！！！

这个世界有了光，然后有了影。电影是一种能够将光影关系玩弄得最出神入化的现代发明。有人认为，如果要谈电影，就要上溯到我国汉代出现的灯影戏及之后出现的皮影戏。但是,真正有意义的电影，不是发明自中国，而是科技发达的近代欧洲。1895年12月28日，法国卢米尔兄弟在巴黎卡普辛路14号咖啡馆放映成功之后，正式标志着电影时代的来临。

既然中国与电影的发明无缘，那中国电影发展就由电影放映开始。1896年，卢米尔兄弟雇用了二十个助手前往五大洲去放映电影。就是这样，电影这种拥有艺术和商品双重价值的文化产品，在西方商人扩大市场商业策略推动下，传入了中国。随后，很多欧美商人见中国的放映业有利可图，纷纷来华投资。他们经营放映业，修建及发展连锁式影院，甚至在中国建立电影企业，摄制影片。

由1896年至二十世纪二十年代，虽然外商在中国电影市场占据了垄断地位，但亦阻止不了我国电影活动的开始。1903年，德国留学生林祝三携带影片和放映机回国，租借北京前门打磨厂天乐茶园放映电影。1905年，北京丰泰照相馆的任庆泰为了向京剧老旦谭鑫培祝寿，拍摄了一段由他主演的京剧《定军山》的部份场面。

中国电影一开始，就和中国传统的戏曲和说唱艺术结合起来，发展出一套独特的电影类型。但是最早尝试拍摄这种电影类型的丰泰照相馆只属小本经营，算不上是电影机构。直至商务印书局“活动电影部”的出现，才真正代表中国制片业的开始。在这段期间，除了“商务”之外，先后出现的电影制片机构还包括由美商投资“亚细亚影戏公司”、“幻仙”、“中国”、“上海”、“新亚”等，由于他们的成员多是来自戏剧舞台，所以当时的电影题材和内容大多源于中国戏曲和文明戏。此外，他们也开始拍摄剧情短片和长片，对电影这种艺术作最初步的探索和尝试。
对于一个电影制作机构或者一个导演个体来说，无论是创作“艺术电影”或者“商业电影”，似乎都无可厚非。而对于一个国家，尤其是对于正处在艰难发展时期的中国电影来说，单一的张艺谋或者冯小刚，单一的《英雄》、《十面埋伏》或者《天下无贼》，无论它们取得如何辉煌的票房，都无法完成中国电影文化的整体建构，无法在整体上具备与好莱坞电影抗衡的能力，尽管它们对中国电影文化产业的发展实际上有着举足轻重的意义。在全球化语境中，在实施横向区域电影文化合作的同时，只有在纵向上完成多元形态的电影文化建构，才能够促进中国电影良性、有序的发展。 中国电影观念的开端与滑稽电影自有不解之缘。
这意味着，中国早期喜剧发展途径与美国和法国基本相同，打闹喜剧成为早期电影观念发展的主要环节，因为它可以产生“电影之低级的、但独立的形式”，而且，也体现了一定的人本主义精神。亚细亚公司的影片受美国山纳脱（今译塞纳特）的影响，体现了启斯东公司的打闹喜剧风格的精髓，以一种疯狂的破坏美学的表现形式，造成视觉的错乱或某种解放。
1919年美国环球公司摄制影片《金莲花》，借用商务印书馆的拍摄场地，也向相关人员传授了拍摄和制作经验。有关记载为：（美国环球公司）“假本部摄影场摄片、洗片接片亦就本部为之、同人追随数月、耳濡目染、获益良深、工竣本部又购其携来之煤精灯大小数十盏、得此后遂不分昼夜可以工作、再聘陈春生君为主任、摄成《死好赌》及《两难》等片、所用演员大都为励志会游艺股会员、于新剧略具经验、故于表演上不觉过于困难也。”⑦《中国电影发展史》认为，“《死好赌》、《得头彩》与亚细亚影戏公司的《赌徒装死》、《店伙失票》几乎完全相同，都是一些滑稽打闹镜头的生硬拼凑，无论表演摄影都很粗制滥造”。⑧评价虽然不高，至少说明这批影片与亚细亚影戏公司摄制的滑稽短片一脉相承，都来自对于美国滑稽喜剧片的模仿和借鉴。
郑君里的论述比较公允，他认为，商务印书馆从拍摄新闻片发展到滑稽短片，是正常的、合理的，符合法国、美国等国家发展电影制片业的基本规律。他说：“就剧本的取材言，当时商务出品的主题先后经过了初期电影发展之最合理的过程：从平凡而简易的新闻片起，随着是风景片，略有组织的教育新闻片，假借既成戏剧形式的京剧片，以至渐成为独立性质的滑稽短片。这些滑稽电影有一部分是民间传说的翻译（如《呆婿祝寿》、《戆大捉盗》），从剧中人的粗率的性格去摄取笑科，同进还带着一些‘打闹喜剧’的成分：一部分是浮浅的人情的讽刺，如《死好赌》、《清虚梦》、《得头彩》、《猛回头》等剧，写的都是一班为生活所苦困的小市民，似乎摇身一变而为清云得志的暴发户，但后来都依旧还原为一个幻灭的穷人。这些电影和一部分卓别灵的早期出品《做富翁》、《大闹剧场》、《从军梦》一样，多是用‘梦’的原素把他们的幻想建筑起来，它们蕴蓄着一般无法翻身的小市民之参透世情的哲学，同时，在电影的表现形式上，是以新奇的‘诡术摄影’（Camera trick，如用‘复摄法’以制造梦境等）为吸引观众的营业手段之一。”⑨
郑君里找到了这批影片在内容和表现形式方面的模仿对象，就是卓别林（即文中的卓别灵）的早期滑稽片，归纳其主要功能是“造梦”，这是很敏锐的。中国早期电影之所以主要选择美国滑稽电影为师，主要是，它不仅粗俗热闹，动作性强，而且具有让人沉浸其中，产生如醉如痴的梦幻感，可以使观众忘记或缓解现实生活中的痛苦。
1922年明星公司成立。对于拍摄影片，郑君里作了如下描述：“租借西人老罗的摄影场试摄新闻滑稽短片，完成了《大闹怪剧场》、《滑稽大王游沪记》、《劳工之爱情》等诸剧，由张坚（石川）导演，郑公（正秋）编剧，英人郭达亚摄影。这些影片可以肯定说是受了战后美国开土东影片公司导演M.山纳脱之有名的‘打闹喜剧’影响。特别是《滑稽大王游沪记》一片，不仅是摹拟开土东出品里的卓别灵的形像与演技，而且当时扮演卓别灵一角的英人李却·倍尔还是山纳脱导演《宾太平》（Ben Turpin，这对眼的小丑）的笑片时所用过的配角。这部影片尽量搬演追汽车，与胖子打架，掷粉团，打碎食具，坐通天轿等跌扑的笑料；同样《劳工之爱情》也是用一水果商向医生女求爱的故事介绍了掷果，打伤赌徒的跌扑，为冷落的医生制造大批病人。这些‘打闹喜剧’在营业上并不怎么成功。”⑩
在郑君里看来，明星公司早期的打闹喜剧受美国早期滑稽动作喜剧影响很大，直接借鉴了卓别林早期电影风格，由此可以推知，卓别林的形象在当时上海已为人熟知。单纯的模仿无法与成熟的欧美电影竞争，失败无可避免，但是应该看到，这对于中国早期电影观念的基本形成发挥了促进作用。
中国电影理论虽然在整体上落后，但是，在探讨与社会及社会心理有关的某些电影类型方面的理论观念却可能显示出一些特色。电影喜剧观念是其中重要方面。
在西方电影传入中国初期，吸引观众注意力的喜剧明星层出不穷，欧洲明星中声名显赫的是法国的林戴，受观众拥戴的美国喜剧明星比较多，有卓别林、劳埃德（即罗克）、基顿，以及劳莱与哈苔组合等。其中劳埃德、卓别林更加突出，后来观众与评论家的兴趣逐渐集中在卓别林一人身上，这并非偶然，卓别林的电影更具有社会性。同时，随着卓别林等明星在中国的影响力日益加强，中国关于电影理论特别是电影喜剧理论也有所拓展，卓别林等的实践成为触发理性思考的关键，由此入手探讨喜剧与社会的关系。
从单纯看重视觉的滑稽到重思想内涵，是喜剧观念的重要变革。罗树森从创作角度论及创作滑稽影片的难度，他说：“滑稽影片不是一种无理取闹的电影、要有一种讽刺的意思、从冷酷的表情中显露出很深刻、很热烈令人发笑的资料。”卓别林等人受欢迎是“因为他们的一举一动、既滑稽而复耐人寻味”。受“乐极生悲”一词启发，作者认为，“许多令人可笑的滑稽戏情、滑稽动作、都从那不幸或是悲哀中出来的、从这种反面显示出来的滑稽、愈深刻而耐人寻味、所以滑稽电影可以说是不幸悲哀戏剧的反写”。“所以要滑稽电影耐人寻味、都要从反面着想、要从不幸悲哀的地方去着想滑稽的戏情、要注意剧情的合理、还要注意环境的变迁、社会的新潮和许多近代关系下、很深刻的描写中国的国情与美国不同，对喜剧的要求也不同，中国人经受更多苦难，在欣赏喜剧的时候，需要适当的情境，从悲苦的心境中摆脱出来，才能进入欣赏喜剧的心态，这可能是罗树森提出“滑稽电影可以说是不幸悲哀戏剧的反写”的观点的社会文化原因。这种概括已经接近卓别林的悲喜剧风格了。

多元形态的电影文化建构，首先体现在多层次的电影创作上。所谓多层次，就是既需要作为电影文化产业主体的、以商业票房为创作主旨的类型电影，也需要以探索电影语言、追求个人表达为主导的艺术电影，还需要在艺术个性和商业需求之间寻求平衡的电影。在中国内地，当然还有在创作数量上占据相当份额的主旋律电影。事实上，近年来的主旋律电影已经越来越显示出超越单一教化层面的类型化趋势。任何单一形态的电影类型，都无法建构起完备、有序的电影文化产业，久盛不衰的美国好莱坞电影、全盛时期的香港电影、世纪之交崛起的韩国电影都证明了这一点。只有形成电影类型的多元化、多层次建构，才能形成一个电影文化的有序结构。

好莱坞是类型电影发展最为完备的大众商业文化之都，但即便如此，在百年美国电影史上，仍然会间断地出现一些偏离类型电影轨道，乃至偏离商业需求的电影作品。正是这样一些作品的出现，在实质上也推动着类型电影的发展。20世纪40年代初，奥逊·威尔斯的《公民凯恩》以其打破常规的多重视角叙事和景深镜头的创造性运用，成为世界现代电影的一个真正的发端。这部商业上遭遇失败的影片在奥斯卡奖评选中也仅仅获得了最佳剧本奖，成为奥斯卡评选历史上最大的“遗珠”之一。但是，经典永不褪色，随着时代的推移，影片的价值开始越来越为人们所认知，其影响也一直在延续着。法国导演特吕弗说：“从1940年以来，电影中一切有创见的东西都来源于《公民凯恩》和让·雷诺阿的《游戏规则》。”[1] 在英国《画面与音响》杂志邀请国际知名影评家评选“世界电影10大佳作”活动中，影片多次名列第一。1998年6月16日美国CBS电视台公布的“美国电影学院百年百片”中，《公民凯恩》名列第一，这次评选是美国电影学院邀请1500多名演员、导演、制片、评论家、史学家、经理人、放映商等电影界知名人士从1896到1996年间生产的400部美国影片中投票产生的。[2] 以罗伯特·阿尔特曼、弗朗西斯·福特·科波拉、马丁·斯科西斯、斯坦利·库布里克、阿瑟·佩恩、西德尼·波拉克、迈克·尼克尔斯、乔治·卢卡斯、史蒂文·斯皮尔伯格、伍迪·艾伦等为代表的新好莱坞电影“试图给美学上以及经济上已经部分停滞不前的好莱坞电影生产注入新的生命，他们虽然承认各种电影样式的规律、承认明星制和工业化的生产方式，但却从内部使它们充实新的内容。他们把自己亲身的经验倾注到影片中来，反映青年一代的理想、梦想和期望，更加充分地利用各种电影样式的种种美学手段。”[3] 而斯蒂芬·索德伯格的《性、谎言和录像带》、科恩兄弟的《巴顿·芬克》、昆廷·塔兰蒂诺的《低俗小说》等影片的出现并且先后在戛纳国际电影节获奖，一方面表现了素以“艺术”著称的戛纳国际电影节对于美国具有独立品格的电影创作的持续认同，同时，他们对于经典好莱坞模式的反叛，可以看成是对奥逊·威尔斯、对新好莱坞电影精神的某种延续。正是这种对经典好莱坞模式的不断的反叛和背离，构成了好莱坞类型电影生生不息的内在动力之一。曾经的“先锋”往往成为后来的“主流”。这些曾经“先锋”的导演后来也成为美国主流电影的中坚力量。

通常人们都会把欧洲当成是艺术电影的圣地。二战结束后的现代电影思潮，正是以意大利新现实主义、法国新浪潮和新德国电影作为主要标志的。回望世界电影史，可以说几乎所有先锋电影或新浪潮电影都有一个无法逃脱的宿命，这个宿命就是它的短命，它们作为一个运动通常只持续短短几年时间，但其影响力却一直延续着，并影响到了表面上似乎与之相对的商业化的类型电影创作之中。通常认为，意大利新现实主义作为一场新电影运动仅有6年的历史，即从罗西里尼拍摄《罗马，不设防的城市》的1945年开始，到德·西卡拍摄《温别尔托·D》的1951年结束。战后意大利特殊的经济文化力量是新现实主义的支持力量，同时也成为终止它继续发展的力量。第二次世界大战结束之后，意大利社会开始走向复苏和繁荣，反法西斯不再成为人们集中关注的主要问题，因此无法再以此将不同政治倾向的艺术家引向一种共同的创作潮流。意大利新现实主义本身的成分就比较复杂，既有共产党员，也有反共人士，还有天主教徒等，他们是因为反法西斯的共同要求而走到一起的。当这一共同要求不再占据主要地位时，分化就是在所难免的。同时，意大利政府也开始对这样一些具有社会批判意味的影片侧目，审查制度和国家的压力开始抑制这个运动的继续发展。对于电影来说更加内在的因素则是，意大利新现实主义的一些局限性开始充分暴露出来，其题材上的狭隘性已经无法充分适应社会和观众的需求；其电影形态上的一些特征事实上也起到了贬低编剧和表演的作用，尤其是当它走向极端的时候。于是，新现实主义的导演也走向分化，罗西里尼开始探讨基督教和西方历史；德·西卡开始关注多愁善感的风流韵事；维斯康蒂开始表现上层社会环境等等。尽管意大利新现实主义作为一个运动已然走向终结，但它的影响并没有就此结束。意大利新现实主义的因素仍然可以在弗特里科·费里尼的《路》、米开朗基罗·安东尼奥尼的《一个爱情的故事》这样一些他们的早期影片中看到。这两位导演后来都走向了现代主义，成为西方现代主义电影的代表人物。“政治电影”的出现也与意大利新现实主义有着某种程度上的关联。意大利新现实主义对世界各国电影都产生着影响。半个多世纪之后，意大利新现实主义的叙事风格还在遥远的东方中国找到了回应，张艺谋的《秋菊打官司》、《一个都不能少》都以其纪实风格的追求（包括偷拍手法的运用、非职业演员的采用等）在向新现实主义的前辈们表示敬意，而它们都在意大利的威尼斯国际电影节上获得了最高奖金狮奖；从某种角度来说，王小帅的《十七岁的单车》也可以看成是向意大利新现实主义的经典影片《偷自行车的人》致敬的作品。20世纪50年代末出现的法国新浪潮作为一个运动，60年代初开始走向衰落，而其影响却一直延续着，“新浪潮”也被广义地运用于出现于世界各国的由新锐导演创作的敢于打破传统电影规范的电影思潮。发端于60年代中期“德国青年电影”、70年代有着成熟作品出现的新德国电影，因为1982年法斯宾德的逝世，似乎多少标志着其作为思潮和运动的终结。

20世纪70年代末80年代初，一些曾在欧美学习电影的香港年轻导演，以新的视角和技巧，差不多同时执导了一些电影语言、影像处理、叙事风格不同于传统电影的作品，包括了严浩的《咖哩啡》、《夜车》，徐克的《蝶变》、《第一类型危险》，许鞍华的《疯劫》、《撞到正》、《胡越的故事》、《投奔怒海》，谭家明的《名剑》、《爱杀》、《烈火青春》，章国明的《点指兵兵》、《边缘人》，于仁泰的《墙内墙外》，翁维铨的《行规》、《再生人》，方育平的《父子情》、《半边人》，刘成汉的《欲火焚琴》，冼杞然的《冤家》，唐明基的《杀出西营盘》，蔡继光的《柠檬可乐》，黄志强的《舞厅》、等，被香港影评界称为“新浪潮”，也即新电影。[4] 香港新电影从整体上看更加强调真实性，强调贴近现实，尤其是小人物和社会底层的现实。在制作上勇于尝试新的技术和新的技巧，从而在整体上提高了香港电影的视听质量，但并不是像通常的欧洲新电影那样走极端。新颖的叙事技巧往往与可看性结合在一起，同时还能够产生较好的商业效果。作为一个思潮，香港新电影的热潮到80年代初就告一段落了，但是其影响却一直延续着。一方面，严浩、徐克、许鞍华等新电影的主将此后又创作了一系列作品，比如严浩的《似水流年》、《滚滚红尘》、《天国逆子》、《太阳有耳》、《我爱厨房》，徐克的《新龙门客栈》、《黄飞鸿》、《青蛇》、《刀》、《小倩》、《老夫子》、《蜀山传》，许鞍华的《客途秋恨》、《女人·四十》、《半生缘》、《千言万语》等等，他们大部分都融入了主流电影。更重要的是，长江后浪推前浪，作为新电影在精神上的延续，又出现了关锦鹏的《人在纽约》、《胭脂扣》、《阮玲玉》、《红玫瑰白玫瑰》、《愈快乐愈堕落》、《有时跳舞》、《蓝宇》，王家卫的《旺角卡门》、《阿飞正传》、《重庆森林》、《东邪西毒》、《堕落天使》、《春光乍泄》、《花样年华》、《2046》，刘国昌的《童党》，张之亮的《笼民》，陈果的《香港制造》、《去年烟花特别多》、《细路祥》、《榴莲飘飘》、《香港有个好莱坞》等作品。

在韩国，既有象1999年到2003年间连续获得年度票房冠军的《生死谍变》、《共同警备区》、《朋友》、《家族荣誉》、《杀人回忆》以及2004年卖座大片《实尾岛》、《太极旗飘扬》这样类型化的电影，也有林权泽（《曼陀罗》、《悲歌一曲》、《春香传》、《醉画仙》、《下流人生》）、金基德（《漂流欲室》、《收件人不详》、《坏男人》、《春夏秋冬又一春》、《撒玛利亚女孩》、《空房间》）、洪尚秀（《猪堕井的那天》、《江原道之力》、《处女心经》、《生活的发现》、《女人是男人的未来》）这样一些坚持个性创作的导演。正是这样多层次的电影文化建构，才是韩国电影真正具备国际电影节和商业市场双重竞争力的重要原因。

针对当前名目繁多的各类报告，中国影协在去年《2007中国电影产业研究报告》推出的基础上，以其时效性和指导性俱佳的优势，今年又推出了《2008中国电影产业研究报告》《2008中国电影艺术报告》两部。中国影协日前在京举行了两部报告的发布座谈会。
《2008中国电影产业研究报告》由中国电影家协会产业研究中心组织撰写，由产业研究中心主任刘浩东担任主编，多位从事电影产业研究的专家学者参与了这个研究项目。该报告充分发挥影协广泛联络和深入调查的优势，把“一手数据分析”与产业视角的独特研究结合起来，既尊重数据的客观准确，又发挥撰写报告专家的理论分析智慧，对2007年中国电影产业发展情况进行了科学而客观的阐述，具有专业性、权威性、综合性等特点，对业界、学界了解2007年度中国电影产业发展状况具有重要的参考价值。
《2008中国电影艺术报告》作为国内第一部年度电影艺术创作报告，由中国电影家协会理论评论工作委员会组织撰写，理论评论工作委员会主任尹鸿、秘书长刘浩东担任主编，作者由各大高校、科研机构的电影理论评论专家组成。该报告以年度中国电影艺术创作为研究对象，全书共包括十二个章节和一个专题研究，分别为中国电影创作年度综述、年度热点、年度创新、年度症候、年度走向、导演艺术、剧作艺术、表演艺术、摄影艺术、声音艺术、新技术、港产合拍片的年度分析，以及专题研究中国进口分账影片态势分析。此外，报告还收录了中国电影家协会理论评论工作委员会“2007年度十部优秀国产影片推介活动”的片目名单。影协理论评论工作委员会推出这部艺术创作报告的目的，旨在让更多的人在聚焦产业喧嚣的同时，冷静细致地思考电影艺术层面的诸多元素，从电影创作本体上把脉国产影片，把理论家、评论家的判断与声音传递给社会大众，以期在电影理论评论中坚持主流文化的声音。该书凸显出三个特点：一是改变了只关注精英和艺术电影的传统角度；二是对实现市场转型做了全面的关注；三是对新形势下的主流电影给予了更多的关注。
因为《2008中国电影艺术报告》是第一次对中国电影艺术创作推出的研究报告，因此备受关注。参加座谈会的电影界专家学者就中国电影创作和中国电影艺术研究方向提出了自己的见解。
中国电影艺术研究中心研究室主任饶曙光强调眼睛要向下看。他认为，中国电影研究的立场要有一个调整，要从精英立场转移到大众立场，不能把电影研究变成空中楼阁。要从重电影票房转移到增加对观众人次的研究，尤其要关注中小城市和农村的观众人次。电影票房收入虽然重要，但不是全部的依据，人次虽不能计入经济效益，但对中国电影创作有直接的指导作用。当前中国电影的研究重点还应该放在具有中国特色的类型片上，进一步建构主流商业电影体系，推动中国电影的可持续发展。
北京电影学院教授侯克明希望敢于面对创作现实。他说，中国电影产量虽然多了，但创作上还存在着很多问题。目前对创作上的艺术研究还远远不够，创作问题远比产业问题大。《2008中国电影艺术报告》的出版对电影创作研究会产生很大影响，希望能坚持做下去，更希望这些研究能让创作者看到。因为目前拍摄者、投资者并不太知道中国电影的创作状况，出现了信息不对称的情况，创作者对自己没有准确的评价。电影批评家要继续解放思想，依据社会主义核心价值观把电影创作存在的问题实事求是地讲出来，努力加强和扩大电影评论的声音。艺术报告不要追求大而全或面面俱到，要有重点分析，可以有多种写法，要敢于面对现实，面对问题。
北京电影学院教授郑洞天发言时先站起来向作者鞠躬，由衷地表示对这两部报告出版的祝贺和对作者的敬意。目前，高校有影视专业两千余个，研究生有三千余人。他认为两部报告为高校大学生、研究生提供了数据和依据。该报告开创了电影研究的新阶段。郑洞天希望报告每年能有针对性地提一些问题。比如中国类型片的问题，去年中国共生产了526部影片（包括120部电视电影），其中有多少部是类型片？我们的类型片不够成熟的原因究竟在哪里？再比如中国大片的问题，是否制作越大越挣钱？大片越拍越没有思想？应通过每年的报告把中国电影的现实真实地报告给创作者。
北京师范大学教授黄会林提出增加未成年观众电影调查。她说，影视文化对未成年观众有哪些影响，应该是报告的内容之一。今年，北师大艺术与传媒学院就未成年观众价值观的形成、对明星的认知度、对某些电影的暴力倾向的反应等进行了问卷调查，今年的调查对象选择的是都江堰的中学生。5月11日，包括聚源中学在内的孩子们最后交上了答卷，没想到第二天就发生了大地震，很多参与调查的孩子都被埋在了废墟之下，学院已决定把调查问卷捐给相关的博物馆，作为永久的纪念。黄会林建议，应该重点对未成年孩子们对当下影视文化的看法进行调查，他们才是中国电影市场未来的主力军。

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9. 艺术创意在文化产业及社会生活中的魅力和作用，求大神给予灵感写策划案

首先从文化创意产业的概念界定、新媒体艺术的概念界定、新媒体艺术与文化创意产业的融合现象三个方面展示了文化创意产业中的新媒体艺术元素。然后从现象出发，论述了新媒体艺术之于文化创意产业的必要性和重要性，指出了新媒体艺术对复兴文化产业，保护文化遗产，提高文化商品的附加值的意义，并强调了其对文化创意产业实现体验经济与美学经济的推动作用。最后，总结了新媒体艺术在未来文化创意产业发展中的地位。

关键词：新媒体艺术;文化创意产业;体验经济;美学经济

一、引 言

2009年底，詹姆斯·卡梅隆再次以《阿凡达》骄人的票房，突破自己曾以《泰坦尼克号》创下且保持了12年之久全球票房第一的纪录。在第82届奥斯卡金像奖的角逐中，《阿凡达》获得三项大奖，“最佳艺术指导”、“最佳摄影”和“最佳视觉效果”。该片提供2D、3D和IMAX-3D三种制式，在中国国内，不仅出现了连夜排队抢票的景象，在一些没有IMAX-3D制式影院的城市，甚至出现了组团去附近城市只为看到效果最佳的《阿凡达》的“壮举”。这样的疯狂和痴迷，从现实的角度，展现了新媒体艺术的绝佳魅力。

新媒体有三个基本特征：一是改变了传统媒体的传播形态、状态，二是增强了信息传送的互动性和即时性，三是实现了高科技、多技术、多媒介的融合。

而新媒体艺术以信息科学和数字技术为载体，以现代艺术为内容，以大众传播科学理论为纲领，将信息通过媒介的传播技术将科学与艺术的高度融合，应用到文化、艺术、商业、教育和管理领域，并且，以此对文化艺术本身和文化产业产生重大影响。

二、文化创意产业中的新媒体艺术元素

(一)文化创意产业的概念界定

文化创意产业这一概念的生成主要来自以英国为首的各个国家和地区的政策文件，因此带上了浓重的地方色彩，各自的概念界定往往与其国家本身的文化产业发展状况和认知有着密切联系。因此，具有全球普遍认同意义的概念目前还未产生。我国近年来发布的官方文件，包括《文化产业振兴规划》、《文化部关于加快文化产业发展的指导意见》、《关于金融支持文化产业振兴和发展繁荣的指导意见》中，仍未采纳“文化创意产业”这一说法，而是保留了过去的称谓“文化产业”。

澳大利亚昆士兰科技大学教授、澳大利亚创意与创新重点研究中心研究室主任和项目主管、美国斯坦福大学教授、知名文化创意产业学者约翰·哈特利认为，文化创意产业着力描述一方面在于创意艺术，这主要表现在个人才能上，另一方面在于文化产业即质量因数，这两方面的结合。它是近些年来在新知识经济范围内的信息通讯技术，就是我们所说的新媒体技术的语境下，它们在理论和实践中提供城市消费者交互式运用的概念[1]。

而我国文化创意产业研究领域领军人物中国人民大学教授金元浦认为，文化创意产业是在当今全球化条件下，以新媒体传播方式为主导，以艺术文化消费时代人们的精神需求为基础，以高新技术传播为支撑，以文化经济全面结合为自身特征的，国家、行业、技术领域交叉或创建的新型产业集群[2]。以上二位国内外著名学者对文化创意产业区别文化产业的认识中，都强调了新媒体技术和网络等新传播方式这类要素的创意地位。

而各国关于文化创意产业的分类也不尽相同。英国将其分为13类，包括广告、建筑、艺术品交易、工艺品、时装设计、电子出版、时尚、互动休闲软件、影视、音乐、表演、电视广播。 美国依旧版权分为4类：核心版权产业、交叉版权产业、部分版权产业、边缘支撑产业。联合国则分为传媒、卡通、电影、娱乐、网络游戏、旅游、文化、网络信息、音乐、戏剧艺术、艺术博物馆等。

(二)新媒体艺术的概念

新媒体艺术的先驱罗伊阿斯科特认为，连结性与互动性为新媒体艺术最明显的特征。它的表现形式包括：影像及互动装置、虚拟装置、网络技术、多媒体技术、动画动漫、影视广告、网络游戏、数码艺术设计、数字插画、CG静帧、数字特效、DV、数码摄影等。新媒体艺术的表现形式非常多，但共通点就是被大众所接受的途径以及作品的直接互动，通过人的触摸、空间移动、声、光、电等的效果，参与到作品的创作中。新媒体艺术创作需要经过：联系、融入、互动、转化、展现这五个阶段。首先必须有人与装置之间的联系，并全身融入其中，而非仅仅在远距离观看，通过与系统和人产生互动，这将导致艺术作品与人的意识之间的转化，最后展现出全新的影像、关系、思维与效果。

将当代新媒体艺术与传统艺术相比较，其发展有着独特的时代背景。它已不再仅仅依赖个体艺术家的才华和灵感，而是依赖整个艺术创作体系、艺术传播过程及方式、艺术媒介手法与参与方式等的全面创新。图像时代、消费时代以及“数字化生存”是新媒体艺术发展的现实语境。

首先，图像成为人获取信息的重要途径和资源，对许多人来讲，甚至是最主要的方法之一。科技时代的图像主要集中于用声、光、电为载体的多媒体种，而不再集中于平面中的图像、文字等这类静态印刷物中。“当代艺术及文化正在变成一种视觉、听觉的感官艺术文化，而不再是平面的印刷文化，这已经是不容小觑的事实。”[3]

其次，当今世界消费主义的盛行，使得商品的价值已不只是其使用价值，人们消费商品，也可能是为了满足内心需要的符号消费、仪式消费等，消费也成为艺术活动的基本方式。艺术经纪人出现后，处于艺术家和群众之间，他们了解并熟悉艺术家，懂得艺术欣赏，自身又赋有很强的营销能力，清楚明白市场需求，最重要的是他们富有经验，可以通过消费的方式把艺术推向大众。

再次，MIT著名教授尼葛洛庞帝笔下的“数字化生存”时代已经日渐成熟，科技的发展引起传媒形式的变化，艺术的多媒体化以数量越来越多、类型越来越新颖的大众文化产品进入人们的日常生活为标志。通过媒介，文化艺术传播的速度更快，范围更广，效率更高。而且，媒介融入了艺术的创作的整个过程，真正可以成为艺术中的一部分。艺术传播与媒介技术之间的关系以及它们带来的语境的分离和重构，也让人们从根本上重新认识了艺术创作对生活的传统观念的反应。

(三)新媒体艺术与文化创意产业的融合现象

当今，数字媒体就像是文化艺术创意产业的发动机，它以IT 技术和CG技术为核心，极大地推动文化经济的发展，主要表现在影视、动漫动画游戏研发、广告、多媒体信息技术的开发与信息产业、建筑、工业、服装等一系列的艺术设计、系统仿真、图像分析、虚拟装置等领域，并涉及到科技、艺术、文化、教育、营销、经营管理等诸多领域[4]。

首先，分解文化创意产业，可以看到新媒体艺术与文化创意产业的融合。文化创意产业可以分解为三组概念，即文化、创意和产业。第一，文化(包括艺术)传播借新技术革命下的新形态媒介，提高了传播效率，又增加了受众的审美感受，并通过“点击”、“复制”等形式，扩大了传播的接受范围和接受频次，增加了受众的“被卷入感”，从而，产生了新媒体艺术的最重要传播特点交互性。第二，新媒体的使用使创作者的“创意”能够更大限度地发挥，因而，提高了作品“创意”的表现力。第三，新媒体的传播特点，带来了受众的数量激增，创造了更多的文化消费需求，使文化具备成为一个产业，并保持盈利性的必要条件。

其次，考察文化创意产业的分类，仍然可以看到新媒体艺术与文化创意产业的融合。电影电视广告是新媒体艺术介入较快较多，也是进入大众视野最多的领域;动漫和软件开发业运用新媒体艺术的虚拟现实和交互性更多，并且发展主要依赖新媒体技术的个性;随着人们生活中电子产品的增多、闲暇时间的减少以及阅读习惯和获取信息习惯的改变，数字出版的兴起和发展正在日益增加与新媒体艺术的融合;而旅游会展业，在近年来更加注重新媒体艺术要素的融入，北京2008年奥运会和上海2010年世博会中，新媒体、声光电的运用给观众带来了大量的美感体验。